Rabbit and Deer (en húngaro, Nyuszi és Őz) empieza como una amistad despreocupada entre dos animales. Todo cambia cuando Deer se obsesiona con encontrar la fórmula de la tercera dimensión. Un accidente lo deja en un mundo desconocido, y los dos personajes, separados por las dimensiones, tienen que encontrar el camino de vuelta.

Péter Vácz la hizo como película de graduación de su maestría en la Universidad de Arte y Diseño Moholy-Nagy, de Budapest. En la película, la acción dicta el estilo, y así fue desde el principio: al empezar, Vácz anotó tres cosas: «mezclar técnicas, trabajar una historia narrativa y usar temas personales». Poco a poco, al armar la historia, la forma llegó sola: la diferencia entre el 2D y el 3D describe la relación entre los dos personajes. Para él todo se reduce a contar una historia o expresar un sentimiento, y eso suele determinar el estilo; le gusta construir, esculpir y trastear con materiales, por eso el stop motion le resulta natural.

Los personajes nacieron de un juego: imaginar a qué animal se parece una persona. Vácz y su pareja de entonces terminaron con esos alter egos como otra manera de comunicarse, y las ilustraciones que hizo fueron dándoles carácter. Rabbit y Deer salieron de esa relación, y de los dos, dice Vácz, «Deer era yo».

Esa raíz explica el rumbo de la historia. Cuando Taylor Holmes le contó que en su casa no entendían por qué Rabbit no «hacía ciencia» para salir del mundo plano, Vácz respondió que Deer se obsesiona tanto con su nueva pasión que se olvida de cuidar a Rabbit, y que algo así pasó en su propia relación. La descarga eléctrica que vuelve 3D solo a Deer es, dijo, un símbolo visual de ese alejamiento.

Tenía una idea central fuerte y simple.

La historia no estaba cerrada cuando empezó la producción. Vácz fue desarrollando las escenas hasta el final, con la ayuda de sus docentes, y lo recuerda como un trabajo que no se detuvo. Escribió la historia mientras dibujaba el storyboard; de ahí salió el animatic, el storyboard filmado con sus tiempos. Mientras lo armaba, Vácz buscaba la manera más fácil de unir las dos técnicas, y muchas soluciones llegaron durante la producción, como decidir si imprimir cada papel de fondo o resolverlo en composición digital. «Creo que mi mayor enemigo era el tiempo», dice, aunque, como estudiante, tuvo tiempo suficiente para terminar cada parte como quería.

Para la marioneta de Deer, Vácz recurrió a la impresión 3D: se modela la forma de las bocas de repuesto en 3D y una impresora las saca, para luego pintarlas. Era algo nuevo, y obligó a tener los archivos listos a tiempo para mandarlos a imprimir y luego pintarlos. Lo que le gusta del stop motion, dice, es que lo obliga a inventar y a resolver problemas que aparecen de la nada.

La música sigue el mismo camino de prueba y ajuste. Para el animatic, Vácz fue juntando canciones que describían cada parte de la película y puso en él música de René Aubry, guitarrista y compositor francés al que admira mucho, autor de la banda sonora original de El grúfalo. Intentó contactarlo para que hiciera la partitura, pero no lo logró. En la graduación la película se mostró con esas canciones de muestra; después le propuso a Máté Hámori, guitarrista y no compositor profesional, hacerla en ese estilo: los instrumentos de Aubry y su espíritu juguetón. Escuchada sin imágenes, dice, la banda sonora describe por sí sola cada parte de la película. Las voces tampoco usan palabras; para Short of the Week, aun así sostienen el carácter de los personajes y el avance de la trama.

En la escuela le pedían definir a quién iba dirigida la película. Vácz dudó entre contar una relación de pareja o una amistad, que es más fácil de entender y da más puntos de apoyo a un público infantil, y al final quedó una mezcla: se centró en la amistad, con elementos que las personas adultas reconocen. No se esforzó por fijar un público: ni la pensó solo para la infancia ni solo para adultos. Dice haber logrado una película en la que «todas las edades pueden encontrar algo interesante».