# The Song of a Lost Boy ## Cuando se quiebra la voz **adrianengine** el 25 de septiembre de 2023 · [Vol. 51 · Nº 3 · julio–septiembre 2023](https://nasvisual.com/ediciones/51/) Ben, un niño de coro, pierde la fe cuando se le quiebra la voz en pleno solo y huye de su comunidad. Daniel Quirke quiso derretir bajo el sol del desierto a los títeres de cera de su película de graduación; quedó algo más sutil. Video: The Song of a Lost Boy [Ver en YouTube](https://www.youtube.com/watch?v=Y2tneSVRkEA) Ben, el niño de coro de **The Song of a Lost Boy**, tiene una crisis de fe cuando se le quiebra la voz en pleno solo, y decide huir de su comunidad. Se topa con un grupo de nómadas que lo acogen, aunque Ben oculta quién es en realidad y tiene que decidir qué hacer con ese secreto. Daniel Quirke nunca fue niño de coro, pero creció en una familia católica, y la fe le trajo tensiones desde siempre: si la tenía o no, el temor al rechazo por tener creencias y el temor a decepcionar a los demás si no las tenía. De ahí salió la necesidad de aceptarse, y hacer la película fue, dijo, una especie de viaje hacia esa aceptación. La historia salió de muchas conversaciones con Bríd Arnstein, que escribió el guion, y con Jamie MacDonald, que produjo la película. Quirke quería contar la sensación de perder la fe y la vergüenza que le daban esos sentimientos: sentía que quienes tienen fe lo juzgarían por no tenerla, y quienes no la tienen, por tenerla, y lo verían como alguien raro. Eligieron un niño de coro al borde de la pubertad porque en la adolescencia esos sentimientos se le habían agudizado a Quirke: “una hermosa metáfora de la pérdida de la fe”, una pureza infantil que atraviesa un período de incertidumbre, con la voz inestable. También decidieron mantener la historia bastante abierta y que no tratara explícitamente de una crisis de fe, para que cualquiera pudiera llevarse algo de ella creyera o no en Dios. > El mensaje principal que espero que la gente se lleve de la película es la importancia de encontrar la aceptación dentro de uno mismo. Los títeres nacieron de un deseo de Quirke: derretir títeres de cera. Le parecía muy bella la imagen de materiales impotentes ante el cambio, como lo somos a veces las personas ante lo que nos pasa en la vida: el metal se oxida por el agua y el oxígeno, la cera se derrite con el calor, el moho aparece cuando la comida se pudre. Derretirlos iba a sumar tensión y riesgo a una trama que transcurre en un desierto caluroso, y el miedo a dejar la seguridad de una comunidad del desierto. Pero era demasiado complicado que los personajes se derritieran y ese aspecto salió de la historia; quedó la cera que se ablanda, se ensucia y brilla bajo las luces. El desierto tenía para Quirke un aire casi bíblico, y siempre le habían gustado los desiertos de la pintura surrealista, que obligan a fijarse en lo que se pinta y, a la vez, llevan a un lugar de otro mundo. La National Film and Television School (NFTS) cuenta que los títeres, de cera y alambre, los hicieron a mano estudiantes de su curso de Model Making. Quirke probó distintas ceras para ver cuál servía: cuál era su punto de fusión, porque no querían que se derritieran con el calor de las luces del set, y qué tan blandas o quebradizas eran, porque de eso dependía cuánto se podían mover las extremidades sin que la cera se agrietara. A Quirke también le gustaba cómo se veía la cera bajo las luces y que se pudiera mezclar pintura en la cera misma. La temperatura afectaba mucho a la cera. En los meses fríos de invierno se ponía rígida y difícil de mover, y hubo que apuntar calefactores a los títeres; en los calurosos del verano, bajo las luces calientes, los títeres se ponían blandos y brillantes. En la escena de la hoguera, la luz que hacía de fuego calentaba tanto que los títeres empezaron a derretirse: se veía bien, aunque complicó la animación. La cera, pegajosa, recogía mucha suciedad, y como la película se filmó casi en orden cronológico, la ropa y la piel del protagonista daban la sensación de un viaje real. En cada cuadro acariciaban los títeres, lo que producía un efecto de “ebullición” que hacía que los personajes parecieran siempre vivos, incluso cuando no se movían. Quirke eligió el stop motion, dijo, porque es una técnica que puede conectar con la gente a través de la materialidad y la fisicalidad de los títeres y los decorados, y porque le encanta cómo los materiales pueden darles a los personajes y a la trama una tensión mayor. Era además, dijo, el medio de animación con el que más conectado se sentía, tal vez por reencontrarse con esa sensación infantil de jugar con modelos y figuras. > Me encanta cómo distintos materiales y texturas pueden comunicar cosas distintas. Quirke cuenta la música entre sus mayores inspiraciones: lo ayuda a generar ideas y a crear un tono, y le gusta cómo ella, o su ausencia, cambia la manera de leer una imagen. Empezó pronto a trabajar con el compositor Darryl O’Donovan, y la idea fue de él: que la música del grupo nómada se hiciera con instrumentos fabricados y objetos reutilizados, igual que lo hace el grupo en la historia. O’Donovan construyó instrumentos con tubos de PVC y, con Ruanth Chrisley Thyssen, que hizo el diseño de sonido, grabó muchísimas muestras de tubos, ollas, sartenes y barriles golpeados para crear el mundo musical de la tribu. La música debía ser vaga en cuanto a género y época, para que no se la pudiera situar en un tiempo y un lugar concretos. Para el protagonista eligieron dos voces de mucha destreza, la de antes del cambio y la de después. Para la tribu quisieron voces sin mucha destreza, personas corrientes capaces de expresarse, y pidieron a amistades y a gente voluntaria de la NFTS que grabaran las voces. Para la música interior del protagonista, la que expresa cómo se siente en ciertos momentos, O’Donovan usó grabaciones suyas soplando una lengüeta de saxofón. Quirke venía de las bellas artes y de estudiar animación en Middlesex, y eligió la NFTS, donde hizo la película para el máster en Dirección de Animación, para aprender a dirigir un equipo con alguien de cada especialidad, como producción, diseño de producción, música y diseño de sonido. La película fue una de las tres nominadas al BAFTA al cortometraje de animación británico, con otra película de la escuela, *The Fire Next Time*; para Quirke significó mucho porque era una película personal, sobre la aceptación, y porque, esperaba, podía ayudarle a él y al resto del equipo a conseguir más trabajo y financiación. Hacer una película durante mucho tiempo siempre es difícil, dijo Quirke a Dragonframe, porque uno puede empezar a dudar de sus ideas y a pensar que debería estar haciendo otra cosa; tener un buen equipo lo ayudó a retomar el camino cada vez. En la entrevista de la NFTS dijo que lo esencial en un proyecto largo es que el equipo entero sepa cuál es el núcleo de la película, porque eso ayuda a decidir, sobre todo en la historia, y que es muy importante tener a alguien, en especial quien produce, que lo recuerde en los momentos de duda. De dirigir aprendió también a delegar, a mantener alta la moral del equipo en los momentos de estrés y a decir que no a veces. ## Créditos Duración 9 min 59 s Categoría Stop motion en cera País Reino Unido Dirección y animación Daniel Quirke Guion Bríd Arnstein Producción Jamie MacDonald Fotografía Emma Langguth Diseño de producción Steven X Haber Montaje Margred Pryce Música Darryl O'Donovan Diseño de sonido Ruanth Chrisley Thyssen Animación principal Rich Farris Modelismo principal Alice Simonato Corrección de color y edición online Michael Pearce Voces Edmund Visintin (Young Ben, canto), Emmanuel Quirke (Young Ben, vocalización), Philip Tubilewicz (Ben, vocalización), Alastair McNamara (Ben, canto) [ ### Siguiente How My Grandmother Became a Chair ](https://nasvisual.com/articulos/how-my-grandmother-became-a-chair-fattouh/)